人人都愛白雪公主 我卻中意這個巫婆

“整個給影片頒獎的此種想法就很傻”

布萊恩早先攝製過很多戲劇片，像《爱与死》、《傻瓜大脑科学城》、《性爱宝典》等，無例外都通過道具、服裝、誇張化的演出等元素把戲劇通過聽覺傳達。相比之下，《安妮·霍尔》不再是聽覺衝擊，而是通過口述和故事情節經濟發展。

通俗象徵意義上、受眾族群最廣的戲劇都是有意低俗化，“裝瘋賣傻”是最直接能取樂觀眾們的形式。而伍迪·布萊恩的戲劇方式，變得要艱澀晦澀，屬於那種“如果你段數高，不然get不到臺詞”的優雅人文。但一部戲劇片何以奪得奧斯卡金像獎電影獎？我們企圖探索電影背後的相同。

伍迪·布萊恩曾自己揶揄“他們看見我戴眼鏡，就指出我是知識分子，因

他絮叨、執拗、有很高的現代文學和文藝學識，同時他又極難融入周遭的社會。如《安妮·霍尔》中，他與好友瓦格納的談話中，好友則表示去加利福尼亞州吧，遠離那個鬼衛星城，此時的艾維就則表示出了抗爭，芝加哥才是文藝中心。好友會返回，情人會離開，而他要堅守。他的影片，更是對傳統影片的衝擊。

他是一個開朗嬉皮的思想者，沉重過後，人生並無法好過許多，他試圖用調侃的形式來深入探討神學問題。他的風趣顯示出了典雅度過此生的姿態，為我們提供更多了為數不多溫和形式，使我們能夠處理生活的荒謬。你會看見一個骨灰級文藝老青年在吐槽文藝青年，他告訴我們無知就可以安然無恙地度過此生。從《安妮·霍尔》中泛心理學，恨不得把所有人都標上有病的副標題，恨不得把生活都填滿“喪生”和自然主義。此種傾向被標示為“中產階層的惡趣味”。他的個人氣質已經成為一個標籤泛化到他每一部影片中，使我們更為鍾愛他的影片。

說到猶太人風趣，我們最熟識的卓別林“反英雄”化的戲劇技巧與猶太人風趣一脈相承。而卓別林與伍迪布萊恩表達方式剛好相反，一個不必言語只靠肢體，一個是喋喋不休。但他們都巧妙的把觀眾們不易尊重的恐懼做為自己的笑點。比如說：《安妮·霍尔》中艾維與瑪麗相同文化背景成長的情人，最後激發出許多價值觀念上的對立，這也是觀眾們現實生活中所碰到的問題。而卓別林在《大独裁者》是用一人分飾兩角，來表現此種武裝衝突。

我們討厭伍迪·布萊恩究竟在討厭什么？用欣賞荷里活大片的思維形式來思索那個問題。在英雄劇中我們討厭看見正反派的鬥爭，只不過是對管理制度或者名望的鬥爭。而伍迪·布萊恩荒誕包裹下的，便是他對那個世界的鬥爭，用幽默的形式來匹敵。

《安妮霍尔》經典獨白

為我影片票房不太好，就指出是文藝片”。他的風趣和調侃不但在影片，甚至讓觀眾們覺得影片中的配角就是伍迪·布萊恩。這也是接下來想起劉德華的其原因。

在基頓手捧小金人時，“我曉得我是因為飾演了一個調皮版的他們而領到了小金人”，連瑪麗·霍爾所有佩戴都是艾瑪·基頓個人的服飾，她也席捲了中性穿搭時尚。

街頭上的伍迪·布萊恩

十九世紀初以來傳統的“隱藏攝像機”在場的傳統攝影畫法被打破，女演員不容與觀眾們目光溝通交流的法則也被打破。有如後現代主義表演藝術打破傳統敘事呈現，《安妮·霍尔》也呈現出拼貼、並以嘲弄的表現手法呈現出反影片的敘事模式，企圖打破影片虛構的真實性。比如說：艾維與瑪麗首度約會在閣樓飲酒時，緊張的男女對話中還存有著許多片頭，也就是鏡頭外自己內心深處的真實想法。在自己出現對立時，伍迪布萊恩用超現實的卡通鏡頭，把自己的形像幻化成白雪公主裡的壞母后，小伍迪布萊恩說壞母后心情不太好是因為月經來了，彰顯了他對大多數男性（涵蓋文藝女青年）其本質上的觀點，只有生理問題導致的困擾沒有深邃的思索。

《安妮·霍尔》海報

電影開始就是一段類似於伍迪·布萊恩的“演說”，他直視攝影機，傾訴他們的人生充滿著寂寞、意外...隨之又用一個段子來沖淡這段嚴肅的表達。他說“我決不重新加入有像我這種會員的俱樂部”短短的2兩分鐘不到，他講了三個段子，第一個段子拋出了自然主義關於喪生的哲思，第三個段子拋出了佛洛伊德《智慧和潜意识》。掉書袋的藝術風格，讓一部分觀眾們剛步入整部電影，就有理由選擇離場。

伍迪·布萊恩和黛安·基頓

《傻瓜大脑科学城》片段

《安妮·霍尔》片花

不乏有人推斷，伍迪布萊恩內心深處不肯直面外界對他經典作品的觀點，骨子裡還是電影中艾維這個神經質、缺少同情心的敏感女人。而他本人只坦誠不敢即使大獎而對他們的經典作品做出妥協，不投其所好也不被指手畫腳，不活在自己的評價體系中，愛好他們心中的表演藝術，而並非表演藝術中的他們，這可能將是他對大獎敬謝不敏的其原因之一。

《安妮·霍尔》兩人閣樓飲酒場景

攝製《安妮·霍尔》休息的這時候，伍迪就裝著幾盒香菸走來走去。沒人對影片有多高的期盼，片場在芝加哥的知名地標間挪來挪去，不亦樂乎。由於劇中配角艾維和布萊恩在經歷上的相近，包含布萊恩和艾瑪·基頓（本名艾瑪·霍爾）之間的關係，《安妮·霍尔》時常被指出是半自傳電影，而此說法已被布萊恩駁斥。基頓在他們的回憶錄《Then Again》中澄清道“關鍵的是《安妮·霍尔》是他的第二個愛情故事，是愛將這些幽默的小片段粘連在一同的。”無論是不是影射現實生活，它清晰傳遞了“愛會遠去”。

伍迪·布萊恩模仿卓別林

一個芝加哥中產階級人文分子，一個澳門龍套戲劇之王；一個代表優雅人文，一個象徵低俗娛樂。但他們其本質是完全相同，他們出演的每一戲劇配角都揉進了自己皮膚裡，站在自己所處的社會階層真摯的表達自己的幽默感。有人吐槽過伍迪·布萊恩的文藝腔，但設身處地地思索：他所受的基礎教育、藝術修養，的確是會引起他認識論的思索。但是他們都擅於運用後現代主義解構，伍迪·布萊恩是科學知識實戰經驗使然，而劉德華則更具備先天性。他們還有一個共通點，都散發著戲劇演員的孤獨感。

《安妮·霍尔》的故事情節出現在芝加哥，布萊恩出演的艾維是一個被喪生困擾的滑稽角色，他的勁敵是神經質、但充滿活力、愛好心靈的瑪麗·霍爾，由黛安·基頓出演。電影講訴艾維在三次失利婚姻關係後與瑪麗·霍爾的情感故事情節，加插了兩段兩人各自心靈中的美妙旅途。後即使各自成長方向不同，對立不斷加劇而分開。再碰面時瑪麗搬回來芝加哥，音樂創作上略有成就。二人在咖啡店敘舊，聊起二人一同經歷的往事最後還是以對立告終。女主角對周圍世界及大小事物的評價引起了喋喋不休的獨白和臺詞，令這部電影更像一場文藝對談。電影中，你會看見布萊恩關於喪生的思索、佛洛伊德式的自省、自然主義的荒謬、以及對文藝青年的“吐槽”。

《安妮·霍尔》中經典的抓螃蟹攝影機

假如他的《曼哈顿》是一部寄給衛星城的詩歌，那《安妮·霍尔》就是他寄給他們和文藝青年的失戀史詩。今天，《安妮·霍尔》公映五十週年，整部迄今仍被文藝青年奉為愛情藍本的電影企圖順利完成的是一場寂寞的愛情，一次橫越現代與後現代主義的思想旅行。

《安妮·霍尔》中幸福的一剎那

即使戴眼鏡，自己都說我是知識分子

彈奏中的伍迪·布萊恩

《安妮·霍尔》電影院片花

他在前頭，等著粉絲的成長。無一例外，我們會被幸福的的事物吸引、也會被聰明的天才折服，而伍迪布萊恩屬於前者。他大把大把掉書袋的人物和對白設計，見縫插針地考驗著觀眾們與電影的契合度。觀眾們從他信手拈來的笑話步入到他的關於愛與死的神學思索，由外化審美觀到文藝文件系統，這是觀眾們成長的過程。能說，伍迪·布萊恩走在了大多數觀眾們後面，以致於過了二十年，再看《安妮·霍尔》，還是覺得影片充滿著現代都市感，甚至是我們還逗留在談論溫飽的這時候，那個怪老頭已經在探討“悲觀主義”。他有一個貶抑所有樂趣的樂趣，而這便是他最酷嗆的嘲弄和最深邃的風趣，也是我們如此鍾愛那個怪老頭的其原因。